Categoría: Arte

¿Qué es pintura género y de las más importantes características? 13 Nov

¿Qué es pintura género y de las más importantes características?

La pintura de género (petit genre), es una forma de arte, que representa aspectos de la vida cotidiana, con la escala tradicionalmente reservada para los temas importantes, desdibujando así el límite que había marcado la pintura de género como una categoría menor realista.

La Pintura de género, también se define cómo la pintura de escenas de la vida cotidiana, de gente común en el trabajo o en la recreación, representada de manera generalmente realista. 

El arte de género contrasta con el del paisaje, el retrato, las naturalezas muertas, los temas religiosos, los acontecimientos históricos o cualquier tipo de tema tradicionalmente idealizado. 

Las escenas íntimas de la vida cotidiana son casi invariablemente el tema de la pintura de género, eliminando contenido imaginativo y de la idealización, centrando la atención en la observación sagaz de los tipos, los trajes y los escenarios.

Historia de la Pintura de Género

El término surgió en la Francia del siglo XVIII para describir a los pintores que se especializaban en el tipo (género) de pintura, como las flores, los animales o la vida de la clase media, y fue utilizado originalmente de manera despectiva por los defensores del ideal y la gran manera en el arte.

En la pintura de bellas artes, el término pintura de género se refiere a los cuadros que representan situaciones y escenas de la vida cotidiana. Los temas suelen incluir escenarios domésticos, interiores, comidas, celebraciones, escenas de tabernas o de campesinos, mercados y otras escenas callejeras.

En general, la característica principal de una pintura de género es que la escena se presenta de manera no idealizada, en contraste con el enfoque clásico tradicional de infundir a las escenas características heroicas, nobles o dramáticas. 

Contrasta por ejemplo los personajes sin barnizar de las escenas campesinas de Courbet, con los erizos de calle idealizados retratados por el artista sevillano Bartolomé Esteban Murillo. Podría decirse que los mejores exponentes del medio fueron la escuela realista holandesa del siglo XVII de pintura de género, dirigida por el gran artista de Delft Johannes (Jan) Vermeer (1632-75).

Tipos de Pintura de Género

En 1517 vino la Reforma, que fue la revuelta de los países protestantes como Holanda, Alemania y Flandes contra la Iglesia de Roma, con el resultado de que las obras de arte religiosas o cuasi religiosas disminuyeron abruptamente en importancia en gran parte del norte de Europa. 

Sin embargo, a medida que la demanda de pinturas religiosas a gran escala disminuyó durante el siglo XVI, surgió gradualmente un nuevo tipo de mecenas perteneciente a la clase mercantil, que quería un nuevo tipo de pintura a pequeña escala para colgar en sus casas. Este nuevo patrón era particularmente visible en la Holanda protestante, donde los retratos de caballete, las pinturas de género y las naturalezas muertas se hicieron muy populares.

Características de la Pintura de Género

La pintura de género es un término confuso y desde que se introdujo por primera vez en la Francia del siglo XVIII, los críticos de arte y escritores tuvieron problemas para definirlo. El escritor francés del siglo XVIII Claude-Henri Watelet, por ejemplo, definió el pintor de género como un artista para el que los animales, frutas, flores o paisajes constituyen el tema de su pintura. 

Sin embargo, esta definición no se considera exacta ya que las naturalezas muertas, las pinturas de animales y los paisajes se consideraban géneros separados. El famoso crítico de arte del siglo XVIII Denis Diderot escribió que, la pintura género se aplica indiscriminadamente tanto a los pintores de flores, frutas, animales, bosques, y montañas, como a los que toman prestadas las escenas de la vida cotidiana. 

¿Qué es pintura género y de las más importantes características?

Legado de la Pintura de Género

A finales del siglo XIX, cuando el crítico suizo Jacob Burckhardt escribió Netherland Genre Painting (1874), el término era más aprobatorio y también se limitaba a su sentido actual. 

El término sigue siendo el más popular para describir las obras de pintores holandeses y flamencos del siglo XVII como Jan Steen, Gerard Terborch, Adriaen van Ostade, David Teniers el Joven, Pieter de Hooch y Johannes Vermeer. 

Posteriormente surgieron otros maestros del arte del género en artistas como Cornelis Troost en los Países Bajos, David Wilkie en Gran Bretaña, Jean-Baptiste-Siméon Chardin en Francia, Pietro Longhi en Italia y George Caleb Bingham en los Estados Unidos.

Principales Representantes de la Pintura de Género

Vermeer es uno de los representantes de la pintura género, quien pintó en la Edad de Oro holandesa, que fue posiblemente cuando se popularizó la pintura de género occidental. Es famoso por la sensación de quietud y la monumentalidad silenciosa que aporta a sus temas, a menudo presentando a personas (especialmente mujeres) trabajando solas en una habitación.

Igualmente, Jean-Baptiste Greuze es un ejemplo muy interesante de pintor de género, porque sus  escenas se hicieron increíblemente populares debido a la forma en que las combinó con aspectos de la pintura de historia. Sus escenas de género eran monumentales, teatrales y moralizantes, con figuras alineadas como si estuvieran en un escenario en lugar de aparecer como una instantánea naturalista.

Jean-Siméon Chardin era un pintor de género, de bodegones, retratos, que usualmente, mezclaba elementos de estos géneros, y era famoso por sus obras increíblemente detalladas, realistas y cuidadosamente pintadas. Era un académico dedicado, lo que permitió que, los grabados de sus escenas de género se reprodujeran y se extendieran a las masas.

queesarte 3 Nov

¿Qué es la pintura surrealista y sus principales características?

El surrealismo, es un movimiento en el arte visual y la literatura, floreciente en Europa entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. El surrealismo surgió principalmente del anterior movimiento dadá, que antes de la Primera Guerra Mundial produjo obras de antiarte que desafiaban deliberadamente la razón, pero el énfasis del surrealismo no estaba en la negación sino en la expresión positiva. 

El movimiento representaba una reacción contra lo que sus miembros veían como la destrucción causada por el racionalismo que había guiado la cultura y la política europeas en el pasado y que había culminado en los horrores de la Primera Guerra Mundial. 

Historia de la Pintura Surrealista

El principal portavoz del movimiento, el poeta y crítico André Breton, publicó el Manifiesto Surrealista en 1924, definiendo el surrealismo como un medio de reunir los campos conscientes e inconscientes de la experiencia de forma completa, haciendo que el mundo de los sueños y la fantasía se vinculen con el mundo racional cotidiano en una realidad absoluta, o una surrealidad.

El surrealismo surgió principalmente del anterior movimiento dadaísta, que, antes de la Primera Guerra Mundial, produjo obras de anti-arte que deliberadamente desafiaban la razón. El énfasis del surrealismo, sin embargo, no estaba en la negación sino en la expresión positiva. 

El surrealismo, no heredó las críticas nihilistas y antirracionalistas del Dadaismo a la sociedad y sus ataques desenfrenados a las convenciones artísticas formales. Sin embargo, el Surrealismo adoptó el descontento de Dadaismo con lo bizarro, lo irracional y lo fantástico, así como la confianza de los artistas del dadaismo en el accidente y el azar.

queesarte

Tipos de Pintura Surrealista

Uno de los tipos de estas pinturas, fue la forma tomada por Magritte en pinturas simples pero poderosas, como la que representa una mesa normal que incluye un plato con una loncha de jamón, desde cuyo centro mira un ojo humano. Dalí, Roy y Delvaux representaron mundos alienígenas similares pero más complejos que se asemejan a convincentes escenas alucinadas, soñadoras e imaginativas. 

Características de la Pintura Surrealista

El mayor logro del surrealismo fue en el campo de la pintura, por ello, la pintura surrealista estaba influenciada no sólo por el dadaísmo sino también por las imágenes fantásticas y grotescas de pintores anteriores como Hieronymus Bosch y Francisco Goya y de contemporáneos más cercanos como Odilon Redon, Giorgio de Chirico y Marc Chagall. 

La práctica del arte surrealista enfatizó fuertemente la investigación metodológica y la experimentación, enfatizando la obra de arte como medio para impulsar la investigación y la revelación psíquica personal. 

Legado de la Pintura Surrealista

Artistas como Ernst, Masson y Miró siguieron este enfoque, llamado de manera variada surrealismo orgánico, emblemático o absoluto. En el cual,  el espectador se enfrenta a un mundo completamente definido y minuciosamente representado, pero que no tiene ningún sentido racional. 

Las imágenes pintadas de forma realista y totalmente reconocibles se sacan de sus contextos normales y se vuelven a ensamblar dentro de un marco ambiguo, paradójico y contradictorio. La obra pretende provocar una respuesta comprensiva en el espectador, obligándole a reconocer el sentido inherente de lo irracional y lógicamente inexplicable.

Principales Representantes de la Pintura Surrealista

Los principales pintores surrealistas fueron Jean Arp, Max Ernst, André Masson, René Magritte, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Pierre Roy, Paul Delvaux y Joan Miró. El trabajo de estos artistas es demasiado diverso para ser resumido categóricamente como el enfoque surrealista en las artes visuales. 

Cada uno de estos artistas buscó su propio medio de auto-exploración, algunos persiguieron con determinación una revelación espontánea del inconsciente, liberado de los controles de la mente consciente, otros, como Miró notablemente utilizaron el Surrealismo como un punto de partida liberador para una exploración de fantasías personales, conscientes o inconscientes, a menudo a través de medios formales de gran belleza.

¿Qué es la pintura realista y sus principales características? 3 Oct

¿Qué es la pintura realista y sus principales características?

Los artistas han pintado de forma realista durante siglos y varios de los mejores artistas realistas vivieron durante el Renacimiento y sus pinturas eran elegantes y hermosas, por ello, los expertos que valoran y estudian este arte lo llamaron Realismo Ideal.

La pintura realista, era una forma elegante de decir que los artistas sabían pintar muy bien. Algunas de las pinturas se veían casi como fotografías y los artistas del Renacimiento tenían mucha habilidad en este estilo de pintura.  

El realismo surgió en Francia en la década de 1850, tras la Revolución de 1848, un acontecimiento que estableció el derecho al trabajo en el país, el movimiento introdujo la idea de que la gente común y corriente, la clase trabajadora, los escenarios contemporáneos y las escenas cotidianas eran temas artísticos dignos.

Historia de la Pintura Realista

Leonardo da Vinci, fue uno de los artístas inventores que detalló con gran maestría las proporciones del cuerpo humano que era una buena forma de medirlo todo. Pensando que el círculo y el cuadrado eran la base de muchas cosas en la ciencia y en la naturaleza. 

Así que dibujó a un hombre que encajaba exactamente dentro de un círculo si sus brazos y piernas estaban extendidos. El hombre encajaba exactamente dentro de un cuadrado cuando sus pies estaban juntos y sus brazos estaban extendidos a los lados.

A mediados del siglo XIX, los artistas en Europa adoptaron un nuevo estilo de arte, que se denominó el realismo. Caracterizado por una atención sin precedentes a temas cotidianos, este movimiento artístico transformó el mundo del arte occidental.

Aunque hoy en día, este interés en la iconografía ordinaria puede no parecer digno de mención, marcó un cambio importante en la historia del arte. 

Tipos de Pintura Realista

En las artes visuales, el realismo ilusionista es la representación precisa de las formas de vida, la perspectiva y los detalles de la luz y el color. Pero las obras de arte realistas o naturalistas pueden en lugar del realismo ilusionista, ser realistas en su tema, y enfatizar lo mundano, feo o sórdido. Esto es típico del movimiento realista del siglo XIX que comenzó en Francia en la década de 1850, después de la Revolución de 1848, y también el realismo social, el regionalismo, por lo que, los pintores realistas rechazaron el romanticismo, que había llegado a dominar la literatura y el arte francés, con raíces a finales del siglo XVIII.

Características de la Pintura Realista

Parte de la alegría de la pintura en el siglo XXI es la amplia diversidad de formas de expresión disponibles. A finales del siglo XIX y XX, los artistas dieron grandes saltos en los estilos de pintura. 

Muchas de estas innovaciones fueron influenciadas por los avances tecnológicos, como la invención del tubo de pintura de metal y la evolución de la fotografía, así como los cambios en las convenciones sociales, la política y la filosofía, junto con los acontecimientos mundiales.

El realismo, en el que el tema de la pintura se parece mucho al real en lugar de ser estilizado o abstraído, es el estilo que mucha gente piensa como verdadero arte. Sólo cuando se examinan de cerca, lo que parecen ser colores sólidos se revelan como una serie de pinceladas de muchos colores y valores.

El realismo ha sido el estilo dominante de la pintura desde el Renacimiento. El artista usa la perspectiva para crear una ilusión de espacio y profundidad, estableciendo la composición y la iluminación de tal manera que el sujeto parezca real. La Mona Lisa de Leonardo da Vinci es un ejemplo clásico del estilo.

¿Qué es la pintura realista y sus principales características?

Legado de la Pintura Realista

El realismo es reconocido como el primer movimiento moderno en el arte, que rechazó las formas tradicionales de arte, literatura y organización social como anticuadas tras la Ilustración y la Revolución Industrial. Comenzando en Francia en la década de 1840, el Realismo revolucionó la pintura, expandiendo las concepciones de lo que constituía el arte. 

Trabajando en una época caótica marcada por la revolución y el cambio social generalizado, los pintores realistas sustituyeron las imágenes idealistas y las concepciones literarias del arte tradicional por hechos de la vida real, dando a los márgenes de la sociedad un peso similar al de las grandes pinturas de historia y las alegorías. 

Su elección de llevar la vida cotidiana a sus lienzos fue una manifestación temprana del deseo vanguardista de fusionar el arte y la vida, y su rechazo de las técnicas pictóricas, como la perspectiva, prefiguró las numerosas definiciones y redefiniciones del modernismo del siglo XX.

Principales Representantes de la Pintura Realista

Gustave Courbet es a menudo considerado la figura principal del Realismo, porque sentó las bases del movimiento en la década de 1840, cuando comenzó a retratar a los campesinos y trabajadores a una escala típicamente reservada para temas religiosos, históricos o alegóricos.

Antes de la aparición radical de Courbet, los pintores no representaban las escenas tal y como las veían, sino que las idealizaban, borrando prácticamente cualquier defecto o imperfección. Para Courbet, este enfoque era perjudicial para la pintura, ya que eliminaba cualquier sentido de individualidad. 

Al igual que Courbet, Jean-François Millet también optó por presentar a la clase obrera en sus pinturas. Como vivía en la Francia rural, volvió repetidamente a los granjeros como su sujeto de elección. De manera que, los temas campesinos son los que mejor se adaptan a su naturaleza, siendo el lado humano lo que más le conmueve en el arte.

Además de ser un pintor realista de primera clase, Millet también es conocido por su papel en la fundación de la escuela de Barbizon, un grupo de artistas que se unieron para desafiar el dominio del romanticismo.